martes, 6 de mayo de 2014

Malas versiones cinematográficas (personajes)

Mierda, dejé esto mucho tiempo.

Las malas versiones cinematográficas, en las que se han basado en libros, cómics, caricaturas, animes, etc., son innumerables. Casi interminables. Pero haré un esfuerzo para darles una recopilación de las mas horrorosas y cínicas que he visto en mi vida.




Quisiera empezar con Sabretooth, la versión de la película “Xmen Origins: Wolverine“, del 2009.   Este personaje, en este filme, es interpretado por Liev Schreiber, elección que considero pésima. Pues siempre hemos visto a un Sabretooth salvaje, desaliñado, animal e indomable. Pero esta versión no sólo es elegante, casi metrosexual y bien vestido, si no que, además, no conformes con todo lo aberrante antes dicho, es hermano de Wolverine (woooot?). Esta película parece haber sido hecha con el afán de hacer mierda a toda una historia reconocida y admirada en el mundo de Marvel cómics. Abajo pondré una foto del personaje de la película ya caracterizado. Hasta creo que podría hacerse pasar mas por un vampiro de la Saga de Crepúsculo que por Sabretooth.


Sigamos desmenuzando esta patética película, que parece ser la peor basada en los cómics de los Xmen. Ahora quisiera hablar sobre Deadpool. Este Wade Wilson es de lo mas horrible que he visto en una película basada de un cómic. Empecemos diciendo que no tiene su traje rojo con negro que lo caracteriza. Le sellaron la boca, siendo que de lo mas importante del personaje es que parloteé incesantemente provocando jaquecas. Y no se diga de los poderes que le dieron, el rayo de Cíclope, teletransportación, un par de espadas de adamantio saliéndole de las muñecas. Verdaderamente que se fumaron muy mal crack al idear tan carismático antihéroe en su versión cinematográfica. Pero se rumora que habrá una película individual de Deadpool y esperemos que se le haga tantita justicia después de ser interpretado tan mediocremente por Ryan Reynolds.



Pero bueno, hablando de Ryan Reynolds (qué disperso ando), ¿qué podría decirse de su interpretación como Linterna Verde? Tal vez no hubiese sido una mala elección de haber interpretado a Kyle Rayner. Pero interpretar a Hal Jordan fue una idea pésima. Dejó mucho que desear un Hal tan incompleto en carácter.


Hablando de poco carácter, ¿qué rayos le pasa a BEjshusdbc Afflflfecjcssud? Perdón, Ben Affleck (dos horas intentando escribir este maldito nombre). En verdad, ¿qué pasa con los encargados del elenco? Ben Affleck es sólo buena idea cuando no lo metes en el mundo de películas basadas en cómics, para un buen ejemplo tenemos la película de “Daredevil“ del 2003. La película no era tan mala idea, incluso dejé pasar el hecho de King Ping negro, de una Elektra con poca fuerza aparente y carácter (sólo porque es Jennifer Gardner), pero... este sujeto como Daredevil fue horrible de principio a fin. Tan sólo en las escenas como Matt Murdock ya quieres que lo asesinen, pero ni teniendo una máscara puesta puede dejar de lado el hecho de que es Affleck quien está debajo y le deseas todo el mal que el villano (también horrendo) lo asesine en el mejor momento. Lo peor es pensar que interpretará al Caballero de la Noche. Casi vomito al ver la foto que he puesto abajo.


Pero bueno, si seguimos con esta película, aunque acepté, por muy poco, las fallas con los personajes de Elektra y King Ping, no pude aceptar a Bullseye. Es infame lo que hizo Collin Farrell con su personaje malvado. No estaba tan mal en las primeras escenas, pero conforme la película mantiene su desarrollo, se vuelve cada vez mas insoportable verlo tratando de matar al, también pésimo, Daredevil. 


Otro de los peores errores del cine basado en el mundo de los cómics es el Thor que recientemente estrenó la secuela de su saga de filmes. Chris Hemsworth es demasiado bonito para ser Thor. El personaje es un guerrero asgardiano que solían adorar los vikingos por sus férreas acciones épicas, su naturaleza guerrera y su aspecto seguramente fuerte e imponente. No era adorado por parecer un modelo de ropa interior. Este Hemsworth es terriblemente tierno, cosa que Thor no podría ser, pues es un guerrero, duro, tosco, rudo. Recuerdo que había rumores sobre Triple H interpretando a Thor, creo que esa opción era inimaginablemente mejor que este actor. Lo siento, chicas adoradoras de este niño bonito. (Otro que pudo haber quedado perfecto de vampiro en Crepúsculo, en vez de andar de hijo de Odín, padre de todo (menos de Loki))



Y dentro de los Avengers hay otro error garrafal en la elección de elenco. Se trata del querido Capitán América. Pero ¿por qué me parece Chris Evans el inadecuado para interpretar al mas grande patriota de Marvel Comics? Sencillo de responder el cuestionamiento. La respuesta es que él es Chris Evans, no tiene las facciones serias que requiere un hombre que debe interpretar adecuadamente a Steve Rogers. Chris Evans quedó genial como La Antorcha Humana en “Los Cuatro Fantásticos“ y como Lucas Lee en la película “Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños“. Pero como el gran súpersolado Rogers, pues le falta mucho calibre. Un calibre, que en sus tiempos, pudo haber tenido Bruce Willis, sólo por poner un ejemplo. En la imagen de abajo les ilustro mis puntos.



Retomando a los Xmen, creo que hay un mutante que fue decepcionante. Una mutante, de hecho, de los personajes mas poderosos de todos los mutantes. Me refiero a Jean Grey/Phoenix, que es interpretada por la hermosa (chiquita mamá) Famke Janssen. Es, sin duda, la mejor correcta para interpretar a la poderosa mutante, el problema es cómo trasladaron el contexto del Fénix del cómic a la pantalla grande. Pues parece que en la película “X-men: The Last Stand“ del 2006, el Fénix no es una fuerza cósmica al nivel de Galactus y otras entidades cósmicas poderosas que ponen a sudar a todo metahumano en Marvel. Mas bien, parece, que el Phoenix es una especie de doble personalidad que Jean Grey desarrolla en su niñez debido a su enorme poder que apenas y puede controlar. Esto a mi me molestó bastante, pero bueno, con la actriz que interpretó a esta mutante pues, se me pasa rápido el enojo.


Pero, ahora pasando a un personaje de DC, ¿cómo se puede volver a un personaje de apoyo tan vital como un protagónico realmente tedioso? Me refiero a Catwoman, en la película del mismo nombre del 2004. Película que se tomó la libertad de distorsionar el origen de Catwoman al grado de darle poderes sobrenaturales. Bueno, aunque es otra Catwoman, se llama Patience Phillips, no Selina Kyle. Y no estoy muy seguro de que la historia se haya desarrollado en Gotham. En si, la película fue pésima, con mal recibimiento y pésima aceptación. Pero esta era fácil de saber, todo es ridículo. Sin duda, Halle Berry, hermosa actriz que interpreta a Catwoman, queda mejor como Storm en las películas de X-men. Y bueno, no podemos evitar notar que le quedaba muy bien el disfraz.


Y bueno, por último, por ahora, quisiera dejar de lado el mundo de los cómics y poner el ejemplo de un libro. Me refiero a Los Juegos del Hambre, una saga de tres libros que han dado mucho de que hablar. En especial por sus recientes versiones cinematográficas que ya han cubierto el segundo libro y que en dos películas terminarán cubriendo el último libro. Pero quisiera hablar de la peculiaridad de la protagonista, Katniss Everdeen, interpretada por la chica de ensueño, Jennifer Lawrence. Quisiera recalcar que la actriz está muy bien alimentadita, ya saben a qué me refiero. Ella es, sin duda, parte del éxito de la saga cinematográfica. Es única. Pero, tomando en cuenta lo que en los libros dicen, Katniss Everdeen debería ser una chica bastante delgada, incluso de corta estatura, que resulte parcialmente frágil a la vista. Características que Jennifer Lawrence no puede ofrecer. Aunque ha hecho un gran trabajo en las películas, lamento decir que fue una mala decisión en cuanto a la transición del personaje del libro a la película. 


Y bueno, seguro que me faltan muchos ejemplos. Podría nombrar, ahora mismo, Dragonball Evolution, The Last Airbender, Streetfighter y varios factores en las versiones cinematográficas de Harry Potter, El Señor de los Anillos, El Hobbit, etc. Será en otra ocasión. 







martes, 20 de agosto de 2013

Gustavo Cerati


Gustavo Adrián Cerati Clark, brevemente conocido como Gustavo Cerati, líder, voz y guitarra de la banda ochentera de rock argentina Soda Stereo. Todo un ídolo y gran representante de la música rock en español. Llamado como el Maestro Cerati. Ha logrado una gran huella en la historia de la música en español y ha dejado un legado largo y concreto que me gustaría compartir en esta entrada. 

El mes anterior escribí una entrada en la cual hablé de él, como uno de los integrantes de una banda famosa de rock que tiene éxito por si mismo, y recordé que realmente su viaje había llegado al destino que no estaba previsto. Su trabajo es excepcional y no cualquiera se atrevería a hacer todo lo que él hizo. Toda la experimentación de sonidos, géneros y ritmos que el produjo para crear productos musicales de gran calidad artística y creativa. 

Comenzaré con algunos datos personales genéricos. Cerati nació el 11 de agosto de 1959 en Buenos Aires, Argentina, es el hijo mayor de Juan José Cerati y Lilian Clark. Desde pequeño tuvo notables dotes musicales que hizo ver desde primaria. Después desempeñó el puesto de director de coro en el colegio Instituto San Roque. 


Ya en la secundaria formaría algunas bandas de distintos géneros. Haciendo destacar sus primeras influencias musicales de parte de Queen, Deep Purple, David Bowie, The Cure, The Police, Luis Alberto Spinetta, etc. 

En 1982 decide, junto con Zeta Bosio, regresar a Buenos Aires para poder formar Soda Stereo. Ambos cursaban la carrera de Publicidad en la Universidad del Salvador en Punta del Este. Obviamente antes de concebir a Soda, estos dos músicos pasaron por la alineación de otras bandas como Morgan, Stress y Proyecto Erekto, este último junto a Andrés Calamaro. Pero cuando conoces a Charly Alberti ya todo parece mejor formado y concreto y forman el trío Los Estereotipos, banda que sufrió algunos cambios de formación y al final se quedaron como trío y el nombre de Soda Stereo terminó siendo el definitivo. Cuidaron mucho la estética del grupo, contagiándose del estilo Robert Smith, con maquillaje, cabello abultado y enmarañado por el crepé y vestimentas de la época ochentera. Entonces la travesía con Soda Stereo surgió prometedora y alucinante para llegar lejos.


El grupo fue todo un éxito en América Latina y grabaron siete discos juntos, Soda Stereo en 1982, Nada Personal (1985), Signos (1986), Doble Vida (1988), Canción Animal (1990), Dynamo ( 1992) y por último Sueño Stereo (1995). 


Sin embargo ya había incursionado como solista con el disco Amor Amarillo, lanzado el 1 de noviembre de 1993 y que tuvo un gran éxito por parte de la crítica musical de entonces, así como por los seguidores de Soda y un nuevo público. Se destaca por la obvia misión del desprendimiento de Cerati del Sonido de Soda, aunque no muy bien logrado, ciertamente conlleva a diferentes parámetros de los que Soda Stereo carece en el momento. Entre lo más destacado se encuentra un cover a Luís Alberto Spinetta con la canción “Bajan“. Además de la canción “Te llevo para que me lleves“ que graba junto a su esposa de ese momento, Cecilia Amenábar, que también aparece en el video oficial de la canción. Se dice que este disco fue escrito por Cerati en una noche, desde las letras hasta la música, pues su entusiasmo por lanzar su primer disco solista lo llenaba de alegría. Además de la participación en la grabación de su ex-esposa, también colabora Zeta Bosio en producción, teclados, percusiones y el bajo en la canción homónima del disco. Este disco de indudable éxito estaba haciendo despegar a Cerati a otros espacios a los que no estaba planeado que llegara junto a Soda Stereo. 





Después de unos años continuando con la trayectoria de Soda Stereo, su desintegración era prácticamente innegable. Sin embargo, Cerati, continuó con su carrera. Esta vez con un disco que contenía un estilo nuevo, creado con medios nuevos. Bocanada, lanzado el 28 de junio de 1999. Un álbum que causó una gran aceptación en la crítica musical y también en los seguidores de Cerati. La música es tranquila, sin embargo es emocionalmente intensa. Se podría decir que la musica era anestesiante, sugiriendo que el disco entero, y sus detalles, son concebidos como un concepto mismo.  Tal vez esta percepción sea realizada gracias a la atmósfera común electrónica que mantienen todas sus canciones. La intensidad de canciones como Tabú, Verbo Carne y Bocanada pueden ser llamas que se calman con las tibias brisas de canciones relajantes como Beautiful y Puente. 


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Después de la incursión electrónica en Bocanada, con su siguiente disco tenía canciones de estilos distintos. Siempre es hoy, lanzado el 26 de noviembre del 2002. Este disco iba a ser lanzado como doble, pues Cerati contenía una gran cantidad de material para la realización de este, sin embargo, por la situación económica de Argentina, fue lanzado sólo con un sólo disco. Aunque este disco tuvo opiniones encontradas de parte de fanáticos y críticas, para los conocedores del trabajo del Maestro, este disco contiene varias de las mejores creaciones musicales de Cerati. El disco es realmente muy sexual y multifacético. Hay canciones con un beat sensual como Tu cicatriz en mi y Cosas imposibles. Después encontramos canciones dulces, bellas y con una mayor carga emocional como Fantasma y Vivo.



Su tercer disco, Cerati, lo enfocó a un sonido mas rockero, mas duro y estridente. Se llenó de guitarras con precisas distorsiones y una energía maravillosa que termina por hacer de este álbum un producto creativo muy favorecido por los seguidores de Cerati, los seguidores de Soda y la crítica musical. Ahí Vamos, lanzado simultáneamente en México y Argentina el 4 de abril del 2006. El primer sencillo lanzado de este álbum tuvo una barbara aceptación por el público en general, siendo Crimen, una de las canciones estelares en el repertorio de Gustavo Cerati. Además, la gira que realizó para promocionar su disco, lo llevo a nuevos lugares y fue muy extensa. A través de América Latina, España y Estados Unidos, su voz se escuchaba, además de ir por primera vez a Londres y presentarse en el Live Earth de Hamburgo en Alemania. Su gira fue interrumpida cuando el reencuentro de Soda Stereo fue confirmado. El disco contiene maravillosas creaciones del Maestro, quien logró un sonido muy distinto a Amor Amarillo y Bocanada. Realmente Ahí Vamos fue un disco único en la historia discográfica de Cerati, con memorables canciones como Lago en el cielo, Crimen, Adiós, Me Quedo Aquí, La Excepción, etc.




En junio del 2007, entonces, el regreso de Soda Stereo fue anunciado, mediante la gira llamada Me Verás Volver... Gira que se basó en 22 presentaciones a lo largo de América Latina y Estados Unidos. En especial en el estadio River Plate donde rompieron récord de ventas, superando a U2 y Rolling Stones en las presentaciones que las bandas han hecho en ese mismo estadio. 

Al volver a sus actividades normales, Cerati, hizo bastantes cosas, desde colaborar con Roger Waters, hasta ayudar a Shakira con la producción de su nuevo disco. Osea, irse de lo mas genial a lo mas mediocre. Ya el 1 de septiembre del 2009 lanza Fuerza Natural, el último disco lanzado por Cerati antes de sufrir un percance cardiovascular. Su sonido se deslinda de todo lo hecho con anterioridad por parte del Maestro. Contiene un sonido un tanto folk con guitarras acústicas, sin embargo también hay canciones algo mas movidas, como el primer sencillo Déjà Vu. Ésta canción fue realmente algo muy controversial, la aceptación no fue la esperada por los admiradores y tampoco por los críticos, los cuales expresaron distintas percepciones de la canción que marcaría el regreso de Gustavo Cerati. Sin embargo, hay que aceptar la tendencia circular de la canción, con una melodía precisa de pop rock, además de una letra poética preciosa. Así es como hay una división en el disco, las canciones mas rock pop (Déjà Vu, Magia, Naturaleza Muerta, Rapto, Dominó, etc.) y las que están bañadas de un sonido folk y country alternativo (Cactus, Amor sin Rodeos, Tracción a Sangre, Convoy). Además de la única y bellísima Sal, cuyo sonido es único entre las canciones de Fuerza Natural, sin embargo la atmósfera suele resultar parecida a Fuerza Natural y Convoy. Sin duda el disco es una maravillosa creación del Maestro, que se inclinó por un sonido que no había realmente explotado, aunque es considerado el trabajo mas pop, es también el disco mas sobrio y que va al punto de la expresividad de Cerati. Se refirió al disco como un viaje, así mismo lo presentaba en sus conciertos que estructuraban la gira de promoción de Fuerza Natural.




Desafortunadamente, después de un show en Caracas, Venezuela, Gustavo Cerati es internado por descompensación. Días después es dado a conocer que se trataba de un accidente cardiovascular. Fue intervenido quirúrgicamente por la gravedad del asunto médico, sin embargo los médicos confirmaron que no sería el mismo de nuevo. El 21 de junio es trasladado a Argentina Se dice que, a pesar de todo pronóstico, ha tenido algunas mejorías que se basan en mover los dedos y la boca al escuchar sus canciones. Su habitación de hospital es visitada desde la calle por sus seguidores, que llegan a cantar sus canciones para que el Maestro las pueda escuchar. Además, muchos artistas internacionales presentaron sus respetos a Gustavo Cerati, en presentaciones en ciudades argentinas, tales artistas fueron, U2, Roxette, Tarja Turunen y también artistas de su nación y de Latinoamérica, como Los Pericos, Miranda, Jarabe de Palo y otros tantos que participaron en tributos al Maestro, acá en México algunos ejemplos de éstos tributos pueden ser el que le hicieron en el Rock X la vida en Guadalajara en 2010 y el Vive Latino del 2011.

Pocos conocen sus demás discos fuera de la discografía oficial. por ejemplo, en 2001 lanzó dos discos. Primero menciono un soundtrack que compuso él mismo para la película donde es también protagonista, +bien, considerado el mejor disco pop instrumental de ese año. También, el 15 de enero del 2002 lanza 11 episodios sinfónicos. Presentación en vivo con canciones de su repertorio solista y de Soda en versiones sinfónicas realizadas principalmente por Gustavo Cerati. Fue grabado en el Teatro Avenida de Buenos Aires en agosto del 2001. La complejidad de las versiones sinfónicas en este disco han sido de una reacción para maravillarse. La sofisticación ha sido increíble y tiene mucha fidelidad en canciones como Un millón de años luz, Verbo Carne y Bocanada. 




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Además de otro soundtrack que parece nunca fue editado, Sólo por hoy en 1998, que también es un disco instrumental como +bien. Aparte de sus discos recopilatórios y de remixes, ha participado en varios proyectos alternos. Como con Daniel Melero Colores Santos de 1992. Con Plan V, un proyecto de techno ambiental desarrollado junto a un trío chileno conformado por Andrés Bucci (Chord), Christian Powditch y Guillermo Massardo. El primer disco se llamó Habitat Individual lanzado en 1996. Dos años después, el proyecto sorprendió con un segundo disco que contó con la participación del músico inglés Ken Downie, fue llamado Plan V & Black Dog y el disco fue homónimo. 













También, durante la gira de Siempre es hoy entre el 2002 y el 2004 inició un proyecto con Flavius E y Leandro Fresco, cuyo nombre es Roken. Su música era creada en sesiones en cuartos de hotel entre cada show. Nunca lanzaron un disco editado, aunque tuvieron varias presentaciones. Estuvieron en México, Chile, Colombia, Puerto Rico, Panamá, Costa Rica y en Festival Bue en Buenos Aires, compartiendo cartel con Massive Attack y Andy Fletcher, ex integrante de Depeche Mode. Con Flavio Etcheto lanzó un par de discos bajo el nombre de Ocio. Los cuales fueron Medida universal de 1999 e Insular del 2000. 










Todos los que conocieron a Cerati han dicho que es de un carácter sencillo y de una personalidad encantadora, además de ser todo un virtuosos de la música y de la lírica, parece un hombre sensible de maravillosa creatividad. Sin duda es un ícono del rock latino que ha dejado un legado impresionante para la posteridad y es un gran ejemplo para las nuevas generaciones de músicos, argentinos o latinos, americanos. Su filosofía personal la ha dado a conocer en su música, en su forma de ser, en su forma de interpretar y llega a ser un artista memorable en los anales de la música latina. Gracias a el tenemos todo un repertorio que habla de la emoción humana en una descripción completamente poética en la que Cerati interviene con medios líricos produciendo sofisticadas producciones musicales. Gracias totales al maestro, ánimo y fuerza natural. Sea lo que suceda con él, nuestro Maestro vivirá en sus notas y sus palabras, en sus ideas como “hacerse de fama y echarse a dormir“ o “vestirse para la ocasión“, en la influencia que ejerce sobre los músicos contemporáneos a él o predecesores. Espero les guste y gusten de descargar el material descargable que les dejo. Terminé cansado.







miércoles, 24 de julio de 2013

Acústicos

Ya sea en presentaciones especiales o en sus unpluggeds, hay varios artistas que tienen memorables versiones acústicas de sus canciones. Versiones que llegan a parecer incluso mejores o mas encantadoras que las versiones normales o simplemente, parecen una nueva canción con una magia distinta al producto creativo anterior. Como sea, creo que hay algunas cosas que realmente merecen ser nombradas en este aspecto. 

En especial lo digo por aquellos artistas y bandas que hacen un trabajo magnífico con estos quehaceres acústicos que se proponen. Pues esta lista en el porvenir de la lectura se refiere específicamente a ellos.



Nirvana
Bueno, ya he hablado de ellos con anterioridad y hablé con respecto al Unplugged de 1993 que se publicó en 1994 y que contiene versiones acústicas de algunas de sus mejores canciones y también el himno fúnebre de Kurt y todo el drama que generó antes y después de su muerte. Sin embargo lo vuelvo a nombras puesto que es de los Unplugged mas admirados que hay. Ha sido un disco muy bien logrado en acústico, indudablemente ha sido una sesión que ha influido en otras, como la de Korn, bajo el sello de MTV. Así que recordemos tan hermoso logro de parte de Cobain y compañía. Desde el 18 de noviembre de 1993 de la ciudad de Nueva York, viene MTV Unplugged in New York, de Nirvana.



Placebo
Placebo es una banda noventera que carece de un género real dentro de la música, al igual que muchas otras bandas de rock de los noventas, pero que han sido todo un éxito en el mundo gracias a su música tan llena de vida y carente de límites. Su sonido tan cambiante, pero a la vez tan único en su estilo, logra reconocer una canción de Placebo, ya no sea por la música, la voz de Molko es inconfundible, así mismo su aspecto ambiguo y andrógino. Sin embargo, se han dado a conocer muchas sesiones acústicas en su vida como banda, en especial en promoción de los discos Black Market Music y Meds, donde se dieron a conocer muchas canciones ya famosas en la existencia de Placebo en sus versiones acústicas, dejando un muy buen sabor de boca y un gran recibimiento. 



Chris Corner
Músico y compositor británico, cuya carrera se concretó gracias a su pertenencia a la banda de trip-hop, Sneaker Pimps. Después de desintegrada la banda, bajo su nombre, hizo algunos trabajos y colaboraciones, como el soundtrack de la película Les Chevaliers du Ciel y luego concretó su proyecto solista bajo el nombre de IAMX. Bajo este nombre es que tiene un disco... Que realmente no sé bien de dónde sale. La calidad de grabación parece de un disco en vivo, pero no hay sonido de audiencia, pero es maravilloso. Tiene canciones de IAMX así como canciones que, se dice, no salieron en el disco que Sneaker Pimps, lanzaría, pero antes de que eso sucediera anunciaron su separación dejando muchos temas inéditos, como el tema Lolita. Sin embargo es algo muy bien logrado.



Gustavo Cerati
El maestro Cerati no se conformó con hacer versiones de sus éxitos en solitario y acompañado de Soda Stereo, en acústico, él se fue a lo sinfónico. En este sinfónico no uso nada eléctrico. Hizo arreglos sinfónicos, ayudado por su compatriota Alejandro Terán. Llamó mucho la atención por la complejidad y sofisticación de los arreglos sinfónicos a las canciones y la fidelidad de muchas a las versiones normales de estudio. El disco de este osado concierto se grabó en agosto del 2001 en el Teatro Avenida de Buenos Aires, Argentina y fue lanzado el 15 de enero del año siguiente. Sin duda, uno de los mejores discos acústicos, por nombrarlo de alguna manera que encaje aquí, y también sinfónicos, que este humilde redactor ha escuchado.


Pearl Jam
Y otro Unplugged es agregado a la lista, puesto que el alcance de este concierto fue realmente amplio cuando se publicó y la verdad es que si es un unplugged increíble que mantiene el sonido grunge y ruidoso de Pearl Jam a pesar de que es acústico. El vibrante resultado, grabado el 16 de marzo de 1992, fue muy bien recibido y para muchos melancólicos de la generación X, es uno de los mejores Unpluggeds que han sido grabados. 


PJ Harvey
Ésta bella mujer ha hecho muchas versiones, de distintas de sus canciones, acústicas y las ha plasmado en presentaciones en vivo, por internet o en grabaciones pequeñas. Sin embargo estas versiones en vivo, que generalmente interpreta ella sola con uno o dos instrumentos, aunque hay grabaciones de ella con su banda interpretando las canciones en acústico, poseen un detalle, indescifrable pero a la vez evidente al juicio subjetivo de su música, que aparenta ser único y un tanto ajeno a las canciones de los álbumes de estudio. De por si su voz, tan expresiva y llena de emotividad, ya es un sello de distinción ante sus canciones, ahora en acústico, hay que considerar que su cometido, vocalmente, es un impacto multiplicado para hacer maravillosas sus canciones acústicas. 


Bueno, por ahora son algunos de los ejemplos. Tal vez haga una segunda vuelta, también estaba pensando en hacer una publicación con respecto a los mejores Unpluggeds de MTV, puesto que hay algunos que no son realmente acústicos... Lo digo por Soda Stereo, por ejemplo. Si hago el de los Unpluggeds pues habrá links descargables y toda esa parafernalia de piratería cibernética. Espero que Obama no quiera enjuiciarme. 
















viernes, 5 de julio de 2013

Nirvana

Nirvana es, personalmente, de mis bandas favoritas. Ícono de mi generación noventera y de una generación que creció para conocerlos, sean odiados o amados por quienes los conocen. Sin duda su música estridente y fuerte con lírica cruda y sensible, a mano y lengua de Kurt Cobain, generan que sigan siendo un éxito en cualquier lista de reproducción. Prácticamente la música de esta banda se volvió longeva, inmortal, mas longeva que Kurt y mas perecedera que Foo Fighters. Banda formada por el baterista de Nirvana, Dave Grohl.

Todo comenzó con la entrada de Krist Noveselic a la vida de Cobain, juntos iban a los ensayos de una banda en la que Cobain había tocado y juntos formaron otras bandas, las cuales terminaban como proyectos fallidos. Tuvieron varios nombres ya al quedarse Cobain en voz y guitarra y Krist en bajo y coros, así como varios bateristas que tocaron con ellos, en demos como Dale Crover y después Dave Foster con el que tocaron algunas presentaciones. Después encontrarían a Chad Channing, por medio de un anuncio en un periódico de Seattle, el cual duró bastante con la banda. Tocaron por primera vez a finales de mayo de 1988.

Ya como Nirvana firman con una disquera independiente, Sub Pop, y entonces es cuando sale su primer disco.

 Bleach - 15 de junio de 1989

Mayormente grabado en sesiones en el Reciprocal Recording de Seattle y fue financiado por Jason Everman, que en los créditos aparece como segunda guitarra, aunque realmente no toco en ninguna de las canciones del disco, fue la segunda guitarra en las presentaciones en vivo de Nirvana por un tiempo moderado. Fue relanzado en 1992 y desde entonces ha vendido mas de un millón de copias sólo en Estados Unidos. La preocupación de Kurt era la de entonar con la escena grunge del momento. Las críticas recibieron de buena manera este disco. Sus canciones son definidas como deprimentes, desoladas, caustrofóbicas. También mencionan que la música tiene tintes de influencias muy variadas, desde el punk hasta el trash y la voz de Cobain tiene un registro impresionante incluyendo sus toques rasgados y guturales.

Pues si, es un disco debut único. Pues ya siendo su primer disco, que al principio era un EP, lograron un grupo de seguidores asiduos y también un término de estilo musical único. Desde acá generarán un furor magnético ante los escuchas, ya sea por curiosidad o por verdadera devoción a la música de Nirvana, siempre se caía en cuenta de que lo que estabas escuchando era Nirvana y no otra cosa. La voz de Cobain daba este reconocimiento único, pero también, de forma mas analítica, no se puede olvidar el bajo único de Krist, que se recuerda fácilmente a partir de ahora.


Nevermind - 24 de septiembre de 1991 (un día antes de mi nacimiento =3)


Ahora con DGC Records grabaron esta joya histórica musical, producido por Butch Vig. Acá se tuvo un objetivo distinto al de ajustar el sonido a la escena grunge de su actualidad, al contrario, trataban de salir fuera de esta escena, explotando otras influencias. Uso una dinámica conocida por hacer músicas de versos tranquilos o menos ruidosos, con estribillos explosivos y coros ruidosos y de repente histéricos. Para buen ejemplo, canciones como de Pixies. No se tenía una esperanza alta por el disco, ni la banda ni la disquera creían que podría ser un éxito, Sin embargo en 1992 desbancaron del número uno en el Billboard al disco Dangerous de Michael Jackson y vendió mas de 10 millones de copias y actualmente hay mas de 30 millones de copias vendidas.

Se considera todo un logro, uno de los mejores discos de la historia y también el mejor disco de Nirvana. Las críticas desde el principio recibieron con entusiasmo el nuevo material de una banda que, aparentemente, prometía grandes cosas en sus futuros años juntos. Además, en este disco ya aparecía Dave Grohl en la batería. Ya con esta mancuerna, Nirvana estaba enteramente como sería recordado para la posteridad. La química que surgió de este álbum fue enteramente alucinante y se compone de magníficos talentos que supieron dar vida a una obra maestra. Desde la portada, el disco ya se conoce y genera una energía inevitable y indomable. 

Sin embargo, crearon un demonio del cual ya no se liberarían jamás. Un demonio en la canción Smells Like Teen Spirit. Se volvió en contra de su creador. Se volvió el hit pop que Kurt jamás hubiese querido que se volviera y desde entonces, las grabaciones en vivo de esta canción, mantienen una deplorable representación. Ya sea con acordes erróneos, con la letra cambiada, cantándola con eructos o con balbuceos, incluso sin terminar la canción y cortarla a la mitad por odio a la misma. Sin embargo, no se le puede negar a ese demonio que es una maravilla de canción y que formó el ascenso y declive de la banda. 


In Utero - 13 de septiembre de 1993


Tercer y último disco de Nirvana. Ahora bajo la producción de Steve Albini, de nuevo su objetivo cambió, querían un sonido mucho mas distinto a lo que se había hecho en Nevermind. Ahora todo tenía la perspectiva vital de Kurt Cobain, desde la portada y las presentaciones presentaban escenas médicas que aludían a las facetas personales de Cobain, como su relación sentimental con Courtney Love, su reciente paternidad y también asuntos de la banda, su fama estable y también su consolidación como una de las mejores bandas del mundo. También el resultado fue un tanto controversial, pues nacieron rumores de que In Utero resultó ser un álbum muy pesado y dificultoso de entender, por lo cual la disquera no quería que saliera en su estado natural y que por lo tanto, Albini, tuvo la propuesta de cambiar bastante el álbum. Se negó y también no quiso seguir en el proyecto y entonces contrataron a Scott Litt para que hiciera cambios menores en las ediciones de canciones y mezclara de nuevo Heart Shapped-Box y All Apologies. Sin duda es un álbum único, se deslindaron de lo que fue Nevermind y perdieron a muchos seguidores, sin embargo ganaron otros mas asiduos por su extraño sonido nuevo que presentaban. 

Sin duda, con Albini, In Utero logró un sonido único y distante de Nevermind, pues aparte de usar técnicas de grabación distintas, también pudo formular para la banda un sonido mas crudo, natural y visceral de lo que habían hecho jamás, idea que agrado principalmente a Kurt. Se podría decir que después del lanzamiento hubo mucho qué decir al respecto. Como Cobain diciendo que no le parecía una revolución emocional ni artística de la banda, sino un seguimiento a su sonido y estilo y también un mejoramiento al mismo, poniendo de ejemplo la canción Milk it, fuerte y ruidosa pero mucho mas experimental que cualquier otra en el haber de Nirvana. Krist concordó con la crítica de Azerrad, que mencionaba la discordancia entre canciones del mismo álbum como si los estilos propios de Cobain no se pudieran mezclar del todo y fungirían una pelea de estilos logrando canciones permanentes en la memoria de los admiradores. Krist menciona que hay canciones de Nirvana como About a Girl o Paper Cuts, Nevermind comparado con About a Girl e In Utero comparado con Paper Cuts. 

Como sea, se hizo un trabajo maravilloso en este disco. Logrando canciones increíbles y también dejando en claro una faceta nueva que muchos esperaban, de Nirvana, verla en su esplendor.


MTV Unplugged in New York - Grabado el 18 de noviembre de 1993 y lanzado el 1 de noviembre de 1994


Es uno de los álbumes en vivo de la banda, el mas famoso, indudablemente. Pues tiene mucho que remarcar de su contenido. No se usaron sólo instrumentos acústicos, el mismo Kurt llevaba una guitarra electroacústica que se hace notoria en canciones como el cover a David Bowie “The man who sold the world“. Fue una prueba, para la crítica, de que Nirvana podía ir mas allá del sonido grunge característico de toda su carrera, logrando versiones en acústico de sus canciones, que se quedarían a la posteridad y que en su tiempo tuvieron un recibimiento maravilloso plagado de alegrías y magnificencia. Sin embargo esta presentación no fue del todo alegre. Para muchos era una presentación fúnebre. Con las luces a medio tono, los colores oscuros que plagaban el estudio ese día y las velas que acompañaban, principalmente, a Kurt. La última canción de disco fue “Where did you sleep last night“, famosa canción del folklore estadounidense, también conocida como “In the Pines“ o “My girl“. La autoría de esta canción se desconoce, sin embargo la lista de interpretes es enorme, viene desde Leadbelly, Bob Dylan, The Greatful Dead, Bill Monroe, Dolly Parton, etc. Sin embargo la mas trascendente a partir de la última década del siglo pasado es esta versión, del Unplugged de Nirvana. Incluso los críticos concuerdan, nadie había cantado con tanta fuerza esta canción, con tanta devastación, con esta energía fúnebre y lúgubre, nadie había hecho con esta famosa canción lo que Cobain hizo. La hizo suya, la hizo su himno mortuorio, para muchos, su marcha fúnebre. Los compañeros de banda de Cobain, años después de este disco, decían que se respiraba difícilmente cuando interpretaban esta canción. Que además, Kurt, tenía algo extraño que nadie podía descifrar. Incluso en fechas recientes, cuando se ponen a analizar la grabación de video de “Where did you sleep last night“, muchos amigos, conocidos, compañeros y familiares de Kurt, concuerdan en que pareciera que él ya había decidido morir, que ya lo estaba planeando y que, de alguna manera, esta canción, al final del Unplugged, era una forma de sentenciar un adiós eternamente perpetuo...


Incesticide - 14 de diciembre de 1992


Este disco es necesario considerarlo dentro de la discografía pues es la primera recopilación de la banda, realizada después de Nevermind. Este disco contiene lados B y rarezas. Además de que ha sido un disco bastante reconocido para ser la primera recopilación de una banda en ascenso. 

Otras rarezas
Acá les dejo un disco de otras rarezas, no sólo lados B o grabaciones no lanzadas, también dejo grabaciones en vivo como de la canción Misery Loves Company y, por supuesto, la canción que hizo a todos preocuparse por Kurt, I hate myself and want to die.



Nirvana es considerada una banda ícono de los noventa, Kurt Cobain fue nombrado portavoz de la generación X. Genio o suertudo, Cobain siempre ha tenido una historia dura y difícil de contar, su vida siempre se tornaba gris cuando mejor le iba. La historia de Nirvana en algún punto se volvió paralela a la estabilidad mental y emocional de Kurt. A pesar de la música estridente y dura de la banda, las canciones presentaban a una conciencia temerosa y sensible que descargaba todo en sus letras. Cobain es reconocido entre los mejores guitarristas y vocalistas de todos los tiempos, así como Nirvana es reconocida entre las mejores bandas del mismo concepto temporal. Y después de In Utero todos esperaban una faceta deslumbrante de Nirvana que jamás se olvidaría y que pasaría a la historia musical como algo grande.
En 1993 se grabó el Unplugged en Nueva York, lo que ocasionó gran revuelvo, entre sus seguidores parecía que estaban contrariados por saber si lo que vendría de Nirvana sería bueno o declinable. La crítica terminaba entusiasmada por saber qué seguiría después de una presentación tan memorable como fue el Unplugged. Recordado como uno de los mejores que ha habido. Incluso otros músicos, conocidos y amigos de Nirvana y de Kurt, personalmente, como los integrantes de Sonic Youth, Dinosaur Jr y Micheal Stipe, esperaban que la siguiente etapa de Nirvana sería grandiosa y única. Sin embargo ante los ojos de los mas cercanos a Kurt, todo estaba por desmoronarse.
Kurt sufría emocional y físicamente, una depresión patológica no lo dejaba en paz desde joven y también enfermedades crónicas como la bronquitis y un malestar estomacal que ningún médico pudo diagnosticar, lo tiraban y frustraban al grado de engrandecer su depresión de forma desesperante. Se automedicó con heroína a la cual se hizo adicto y consumía regularmente.
A pesar de que entró a rehabilitación al saber que sería padre, se fue a una gira que lo llevó al lejano oriente y a Australia. Al volver a América su adicción reapareció e incrementó. Esto apenas en 1992.
En marzo de 1994, después de un concierto en Munich, Alemania, Kurt fue diagnosticado con bronquitis y laringitis severas y fue trasladado a Roma para tratamiento urgente. Un par de días después llegaría Courtney Love a Roma, al siguiente día ella encontró a su marido con una sobredosis de champaña y flunitrezepam y fue llevado al hospital urgentemente. Esto fue considerado el primer intento de suicidio de Cobain. Después de 5 días de tratamiento regresó a Seattle.
Durante marzo de ese año ocurrieron varios incidentes en la residencia de Cobain. El 25 de marzo Courtney Love reunió a un grupo de gente para ayudar a Kurt para superar su adicción a las drogas, asistieron agentes de la disquera, Micheal Stipe y Dylan Carlson de Earth. Kurt, al final del día, aceptó ir a un programa de rehabilitación.
El 30 de marzo llegó al centro de rahabilitación en Los Angeles, California. Sin embargo el primero de marzo se escapó del centro de ayuda y regresó a Seattle en avión. Los días consecutivos el se paseaba por Seattle a expensas de sus familiares, quienes no estaban enterados de lo que Cobain había hecho.
Por fin, el 8 de abril de 1994 se encontró el cadáver de Kurt Cobain por un empleado de Veca Electric que llegó allí para realizar una instalación. Se encontró con el cuerpo tirado en el piso, bastante sangre encharcada, una escopeta y una nota suicida. También se encontraba un disco de R.E.M. en el reproductor de música, se dice que fue lo último que escucho antes de morir. La autopsia reveló que la muerte fue causada por un disparo en la cabeza y se estima que murió el 5 de abril al rededor de las 11:30 de la mañana.
Y así es cómo termina la historia de Nirvana. Con la muerte de Kurt se desintegró el proyecto y el ente que Nirvana se había vuelto. Después de esta tragedia, los integrantes restantes de Nirvana realizaron proyectos de forma individual. Dave Grohl formó Foo fighters, como su banda lidereada por él mismo, además de participar en otros proyectos como baterista. Colaboró con Tom Petty, Mike White, Tenacious D, Nine Inch Nails, Garbage, Cat Power y Killing joke, así como en el disco “Songs the de deaf“ de Queens of the Stone Age. Krist Novoselic se volvió un activista político y maestro de música.
En 1997 Foo Fighters tocaba en el festival Bumbershoot y de repente salió Krist con bajo en mano para tocar con ellos y también salió Smear, quién tocó por años como segunda guitarra con Nirvana. Así el trío tocó versiones de Purple Rain de Prince y Communication Breakdown de Led Zepellin.

https://www.youtube.com/watch?v=fB3X5B87Ugo (Así pongo el video porque el estúpdo buscador de Blogger no pone el video que pinches quiero!)

El año pasado Novoselic participó en una canción de Foo Fighters llamada “I should have known“, el bajista se escucha tan fuerte como cuando estaba en Nirvana y se rumora que es una canción tirbuto a Kurt.

Espero que les guste y que les agraden los discos. Si por alguna razón caducan o algo así me avisan para editar las entradas y poner discos ya con nuevos links.




miércoles, 19 de junio de 2013

Superman: hijo rojo


Yo siempre he criticado al ente que es Superman. Desde el punto del poco intelecto con el que fue creado e incluso la facilidad con el que sus poderes llegaron a él. Una facilidad que refleja el triste pensamiento irreal del mundo occidental, específicamente, de la mentalidad norteamericana bajo los principios de Nación, justicia y Dios. Superman es el claro ejemplo de toda la cultura y mentalidad gringas, pues el nació en Kansas y es tan americano como se puede ser. Sin embargo, no soy el único que se pregunta qué pasaría si el hijo de Krypton hubiese caido en un sitio distinto a Estados Unidos. Un lugar con principios distintos a los de Estados Unidos, incluso, un lugar de poelítica contraria al país mas poderoso del mundo actual. 

Por ejemplo, la URSS, tengan un panorama de lo que pasaría cuando un superdotado alienígena cae en manos de la educación y cultura socialistas de una tierra contraria al occidente. Mas específicamente, Ucrania, no en Kansas, en una granja pero colectiva. El nombre que le dieron las personas que lo recogieron es secreto de estado y está al servicio de Stalin, el trato de Varsovia y el socialismo ¿Qué pasaría si Superman hubiera sido criado en la Unión Soviética? Pues Mark Millar se planteó la idea, una idea tal que puede producir escalofríos, pues Superman es un secreto de estado, no un secreto personal. Superman está en relación directa con el gobierno de la Unión Soviética. Fue criado en base a la educación colectiva socialista y es un ícono de poder representativo de la política roja.




Este Superman es muy distinto al superhéroe norteamericano. Su inteligencia es superior a la de cualquier otro humano. Su perspicacia de combate, así como de política y estrategia, son superiores y, por supuesto, inigualables a comparación del Superman estadounidense. Es superior al mismo hombre de acero de antaño. Es mejor, es mas seguro, es mas letal y mucho mas invencible. Es un Superman mucho mas descente y admirable. Sin duda una gran miniserie de DC sacado del sello Otros Mundos. Es indudablemente recomendable y magníficamente llevado a sitios antes inimaginables, no sólo de Superman, también de otros característicos personajes del universo DC. Algo admirable, la versión nueva de estos personajes que se han adecuado al mundo que ahora teme el yugo del hombre de acero, el hijo de Krypton, el hijo rojo. La Mujer Maravilla, Linterna Verde, Lex Luthor y, claro, Batman, aparecen en la historia jugando papeles importantes en el desarrollo de la historia con versiones impresionantes de ellos mismos.

Las similitudes con otras obras anteriores de la literatura son geniales, en especial algunas similitudes apenas perceptibles de 1984, maravillosa novela de George Orwell. En especial por el afiche que se ve de Superman donde dice “Él te está observando“, parecido al mural de Gran Hermano que el protagonista de la novela describe al inicio de ella.


No hay mucho qué decir, sólo que me encanta esta miniserie y me impresionó muchísimo la primera vez que pude leerlo. Sin duda no puedo decir mas al respecto sin caer en un nefasto Spoiler y espero que les guste. Es un increible What if, único... Hasta que salió Injustice hace poco y el Superman de esa historia es mas parecido al de hijo rojo. Pero bueno, espero que lo disfruten.

Por cierto, espero disfruten de la nueva película de Superman “El hombre de acero“. Es buena, sin embargo para toda la producción y dirección que llevaba esperaba mas, pero no es decepcionante para los que no son fans del hombre blanco y rojo. Ya saben, les dejo el link para que lo descarguen. 

Descárgatelo! - http://www.4shared.com/zip/OghxFtab/S-RS.html?








lunes, 17 de junio de 2013

Padres bien padres

Pues siendo el día del padre creo que amerita un poco del lado friki de su escritor, osease yo. Padres que han marcado cierto momento importante, ya sea en anime, película... O no sé. Esto es demasiado precipitado y realmente lo estoy haciendo en el momento. Pero va a quedar bien padre! El conteo se refiere a padres que han hecho posibles historias enteras o que son parte de la épica trama de tales historias mencionadas. 

1. Marlín
Todos recordamos esta historia creada desde los cuarteles generales de Pixar. Una gran historia que refleja el amor incondicional de un padre, desafortunadamente viudo, hacia su único hijo, desafortunadamente maldito lisiado, que fue capturado por error y se adentrará a la aventura de recorrer el océano y devolverlo sano y salvo a su lado. Pasa por muchas cosas, acompañado de la adorable Dory. Y en todos los mares se habla de sus hazañas para recuperar a su hijo perdido, a como de lugar. 




2. Bardock
No sólo es importante en la historia de Dragon Ball, ¡es un personaje vital! Pues él es el padre del guerrero sayajín llamado Kakaroto que después tomará venganza por su raza, su planeta, su padre y protegerá al universo del poderoso emperador Freezer. Además fue de los pocos sayajín que se atrevió a revelarse contra el mencionado villano (También se incluye en este grupo al padre de Vegeta, el rey). Además sobrevive a heridas y llega tan lejos como nadie había llegado en su pelea contra Freezer.




3. Jor-El
Otro padre fallecido que murió junto con su planeta de origen y que además es progenitor de un futuro guerrero de poderes magníficos. Padre de Kal-El, Superman, científico en su natal Kryptón y una pieza clave en el desarrollo del héroe que será Superman. Incluso después de muerte genera sobre el hombre de acero una fuerte influencia como guía en su vida. 




4. Minato
Cuarto Hokage, poderoso ninja de la aldea oculta de la hoja. Poderoso y famoso por sus habilidades únicas. Su fama que lo precede le ha dejado el nombre de “El Rayo Amarillo de Konoha“. Además, como los dos anteriores, es un padre sacrificado que terminó su vida por tratar de defender a los demás. Incluyendo, claro, a sus futuros y poderosos hijos. ºEl se sacrifica, junto con su esposa, para proteger a Naruto, y termina siendo considerado un héroe para su villa y un ejemplo a seguir para quien aspire a ser hokage.





5. Homero Simpson
 Un gordo ebrio, egoista y vanidoso que no deja de lastimarse y meterse en problemas. Todos conocemos bien a Homero Simpson, personaje famoso en la cultura pop desde hace mas de 20 años. Sin embargo, a final de cuentas se puede decir que es un buen padre de familia que ama a su esposa e hijos y que siempre trata de animarlos o arreglar las cosas para que ellos estén bien. 




6. Darth Vader
“Yo soy tu padre“. Frase célebre de este incomprendido villano de la épica saga Star Wars. Y digo incomprendido porque realmente lo que él tenía era un corazón roto, mas que verdadera inclinación al lado oscuro. Trato de averiguar la manera de salvar a su amada Padme y después se rebela contra su maestro y contra el Imperio que formó junto a él para salvar a su único hijo varón, Luke (es un jedi por hoy). 





7. Mufasa
Mufasa es como la simbología del término que tiene para los niños varones tener un padre. Grande, fuerte, rudo, imponente, sabio, comprensivo, admirable, todo un rey (Ya crecer y te topas con la horrible realidad de que es Shreck). Además su muerte es de las escenas mas tristes que en mi infancia tuve que soportar y aun no lo supero... Tanto así que cada vez que recuerdo su muerte me llegan a las mejillas unas gotas lacrimógenas provenientes de mis ojos. El sabio rey león que no descansa, incluso después de la muerte, para poder guiar a su hijo al destino que el ciclo sin fin le tiene preparado. 




8. Shreck
Shreck es un ogro solitario que encuentra el amor cuando se aventura fuera de sus tierras pantanosas. Después de mas aventuras en las cuales hace mas amigos, se va enterando que será padre y llega a perder la cabeza. Sin embargo resulta que es un padre amoroso y entregado a sus hijos y preocupado por su familia. Como una crítica clara a los hombres que se enteran que serán padres. (Cualquier parecido con mi padre y su familia es mera coincidencia). 




9. Guido Orefice
Si hablamos de padres entregados a sus hijos por entero, padres movidos por el amor incondicional que sienten hacía sus pequeños, no puedo dejar de mencionar este ejemplo. Guido Orefice, interpretado por Roberto Benigni en la película de 1997 “La Vida es Bella“. Cuando él y su familia son llevados a un campo de concentración, convence a su hijo de que es un juego de escondidas y hace todo lo posible para que eso parezca todo el tiempo. Nunca dejó de parecer alegre y vivaracho, siempre sonriendo y haciendo parecer de lo mas horrible un juego infantil de lo mas divertido. Sin duda un maravilloso ejemplo de padre, un personaje único en una película maravillosa. Elegí esta escena porque es cuando el espectador sabe que todo acabó para Guido, pero él no deja de hacer todo un juego para que su hijo no se de cuenta que ha estado en un campo de concentración donde aberrantes cosas suceden... (Me metí debajo de mi cama para llorar como pinche nenita).




10. Bryan Mills
De nuevo, con los padres rompemadres, tenemos acá al personaje de Liam Neeson, Bryan Mills, un ex-agente de la CIA y las Fuerzas Especiales que ahora se dedica a la seguridad privada, en la película Taken del año 2008, y hace poco salió una secuela. Pero en la primera película, su hija Kim (Maggie Grace) es raptada junto con su amiga cuando van de viaje a París. Justamente cuando ocurre el secuestro, en el departamento al que llegan a instalarse después del viaje las jóvenes, Bryan y Kim hablan por celular y él escucha todo y esta escena, casi meme, es jodidamente épica. Después se enfrasca en la búsqueda imparable... o implacable de su hija, con el cometido de llevarla a salvo a casa y claro, matar unos cuantos tratantes de blancas por grandes hijos de puta. 




Quisiera agregar algo, todos sabemos que ser padre es un ejercicio que nunca acaba. Es un continuo trabajo de ayuda, guía y sanar las monumentales cagadas. Un padre lleva a cabo grandes ejemplos a seguir y las figuras paternas siempre son importantes, incluso mas que un padre biológico. Hago este hincapié por dos cosas: primero, yo tengo un padrastro al cual le debo mucho y merece un reconocimiento de mi parte por aceptarme y soportarme (LOL) y segundo, podría mencionar mas en este conteo y lo haré sin enumerar, pues son las figuras paternas o padres y escenas demasiado conmovedoras.

Piccoro, por ejemplo, comienza como un maestro indiferente al bienestar de su alumno Goha, hijo de su mayor rival, Gokú. Sin embargo, en el transcurso de los meses que lo entrena se encariña con él, al grado de dar la vida por él ante el ataque del sayajín ¡Nappa! Es jodidamente triste ver llorar a alguien que anteriormente era el enemigo mortal de Gokú, y decirle al hijo de este que lo quiere mientras llora.
Y lo peor es que se vuelve a morir y es igual de jodidamente triste. Ese Gohan es un maldito gritón.
Aquí mismo debo mostrar una escena del sacrificio de Vegeta intentando derrotar a Majin Boo gordo... Casi no se nota que soy fan de DBZ.
Es algo que se le debe de reconocer al gruñón de Vegeta. Es todo un ejemplo de padre. Y eso que fue un niño ignorado.
También quisiera recordar a los abuelos, que a veces juegan el papel de un padre y ese rol lo llevan de forma maravillosa.
Como el abuelito de Heidi, que cumple como su tutor ayudándola y cuidándola.
E incluo el abuelo de Gokú, que le enseñó a pelear y el respeto por la vida. Entonces nace esta escena tan pinche tierna que lloré al verla. Claros casos de adopción, aun así, una maravilla tierna.
Y bueno, acá se acaban las palabras y me tardé mas de lo que creí con esta entrada. Espero les haya gustado y si no... pues qué padre.