The Killers - Battle Born / ¿The Strokes y Maná?

Este cuarto disco de la banda tiene un interesante logo que me recuerda a un maguito medio pendejo... 

Bueno, el disco fue lanzado el año pasado el 17 de septiembre. Curiosamente yo, no sólo no supe de su lanzamiento, sino que aparte fui a verlos el sábado (si, lo presumo) sin haber escuchado una sola canción del álbum. Sin embargo no fue necesario. Puesto que tocaron clásicas, incluyendo canciones que adoro del primer disco como “Somebody told me“, “Jenny was a friend of mine“ y “Mr. Brightside“ y el cover “Shadowplay“ de Joy Division.

Sin embargo me dio una enorme curiosidad de brindarme la posibilidad de escuchar esta producción reciente. En cuanto me pongo a averiguar sobre éste pues me topo con que ya hay tres sencillos lanzados. El primero fue “Runaways“, canción que debo decir, en vivo es un agasajo, suena tal cual suena The Killers y además, la melodía que compone la canción, lleva un balance de guitarras, sintetizadores y unos adornos de efectos electrónicos. El segundo sencillo fue “Miss Atomic Bomb“, cuya realización fue importante para la continuidad de esta producción discográfica y el tercero fue “Here with me“ (una balada amorosa que tal vez sea la canción mas aburrida del disco.

Es un disco ciertamente tranquilo, pero muy enérgico. A pesar de que han establecido un sonido para la banda, no pierden frescura, y mucho menos seguidores que se vieron arrebatados por la memorable presentación en el Foro Sol de la Ciudad de México el 13 de abril. 

Es un disco que proviene de mentes creativas descansadas al tomarse dos años de relativo descanso y además de proyectos alternos. De parte de Brandon Flowers el disco Flamingo que lanzó en el 2010 y de parte del bajista Mark Stoermer el disco Another Life en el 2011. También salió el proyecto Big Talk que formo Ronnie Vannucci, baterista de la banda, junto con Mt. Desolation (Dúo formado por Tim Rice-Oxley y Jesse Quin del grupo británico Keane). El disco inició su grabación en 2011 y pasó por distintos productores, Steve Lillywhite, Damian Taylor, Brendan O'Brien, Stuart Price y Daniel Lanois. 

Sin duda el resultado debió ser satisfactorio para la banda. La apertura del disco produce un sentimiento prometedor al escuchar “Flesh and Bone“ y el disco se llena de dulces canciones que generan un éxito musical general, pasando por “The way it was“, “A matter of time“, “From here on out“ y el cierre se ciente cerca con la relajada rola “Be still“. Sin embargo el desenlace magistral (desenlace que también tuvo el concierto del sábado pasado) fue bien colocado con “Battle Born“, la canción homónima del disco, cuyos cambios de tiempos y melodías la hacen idónea, sin dudas, para el término de un logro tan encantador como lo es el disco Battle Born.

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¡¡En otras noticias!!

The strokes sacó el 26 de marzo del año en curso su mas reciente lanzamiento discográfico. Pero no hablaré del nuevo disco de nombre Comedown Machine, de lo que les hablaré, nenes, es de su primer sencillo “One way trigger“.

Pero ha causado furor cómico pues su indudable parecido con la canción “En el muelle de San Blás“ de Maná de 1997.

Pues el ritmo es sin duda mas acelerado en la canción de The Strokes, sin embargo el tono de la voz es muy parecido. Así como la distribución de las líneas en la lírica e incluso los falsetes son parecidos. No cabe duda que cada vez The Strokes me gustan menos, pero aparte de eso... Parece que en verdad sustrajeron ideas de la canción de Maná para crear “One way trigger“. Sólo faltó escuchar SOLAAA!! Cuando la escuché creí que su productor había sido Pitbull, con eso de que ese maldito pelado se machetea toda las canciones que se le ocurren (incluyendo Seven Nation Army de White Stripes, reverendísimo hijo de cien mil putas) creí que él había sido el culpable de este... plagio, copia o simplemente influencia de parte de una de las pocas buenas canciones de Maná (Si, también me caga Maná). Incluso, las redes  no se han limitado a hablar y hacer comedia al respecto.

Y en el video de acá arriba hay unas comparaciones con respecto de ambas canciones. ¿Ustedes qué opinan?

Paramore - Paramore

Tal vez puedan preguntarse la razón de porqué elegí una banda que se puede llamar muy convencional. Pues ya han sacado dos sencillos de este nuevo material discográfico y ambos me agradaron. Suenan como a Paramore, obviamente por su estilo y la voz de Hayley Williams, pero suenan distintos. Entonces me pregunté sobre la calidad del disco en general, así que me decidí a descargarlo. Indudablemente me he llevado una agradable sorpresa.

Claro, puede que sean una banda convencional, sin embargo desde sus inicios han sido bastante distintivos y este que es su cuarto disco de larga duración me parece muy recomendable. El disco homónimo ya arrojo dos sencillos, como había dicho, el primero fue Now, una canción muy movida que parece dar un contexto lírico a la banda distinto a otras canciones anteriores (además descubrí que Hayley puede ser de las pocas mujeres que se siguen viendo hermosas sin cejas). Ilustraré acá abajo lo que quiero decir. 

Claro, siguen siendo Paramore. La mayoría del disco sigue siendo líricamente similar al demás trabajo. Pero musicalmente me han sorprendido. Escuché hace un par de días el segundo sencillo “Still into you“. Aunque me pareció que era algo mas pop de lo que había escuchado en “Now“ simplemente no pude evitar que me gustase. Es una canción muy buena y al terminar de escucharla pensé que tal vez habrían encontrado un sonido mas maduro que siguiera la línea de su estilo musical. Pero decidí que eso lo plantearía con seguridad hasta escuchar el disco entero.

Por fin he escuchado el disco y me parece que supero cualquier expectativa que pudiera tener anteriormente. Tiene tres interludios con ukelele que son realmente adorables, “Holiday“, “Moving on“ y “I'm not angry anymore“ que son bastante lindas e inesperadas del disco. Además hay una canción enteramente punk rock que me llamó mucho la atención de nombre “Ankle Biters“. La apertura es muy movida con “Fast in my car“ que genera adrenalina, tal vez suene mejor conduciendo en una autopista. Pero el cierre es sin duda lo que mas me dejó impresionado. “Future“ es una canción que trata sobre la introspectiva de la vista al futuro, un sentimiento que cualquiera podría entender. Pero musicalmente es algo completamente inesperado. Comienza como una balada suave y sencilla y a mitad de la canción una explosión consecutiva aumenta hasta desvanecerse en la edición del disco. Sin duda una de las mejores canciones de todo el repertorio de este disco homónimo.

El disco fue lanzado el 9 de abril del año en curso y producido por Justin Meldal-Johnsen. Primer disco cuya participación se reduce a tres integrantes. Pues los hermanos Farro dejaron la banda el 2010. El baterista que estuvo en la realización del disco fue Ilan Rubin, quien ya ha participado en Lostprophets y en la última gira de Nine Inch Nails y parece que es actual baterista de Angels & Airwaves. Mayormente la crítica fue favorable con el nuevo disco de Paramore y parece que en lo que lleva desde el lanzamiento, sólo unos pocos días, ha sido bien recibido. Tal vez pueda ser el disco mas comercial de la banda, pero a mi parecer resulta un disco un tanto mas concreto y lleno de sorpresas que discos anteriores. 

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¡Casi me baneand mi cuenta de 4shared por ser compartido! Los odio, malditos estúpidos. Y aparte fue por un disco que ni siquiera he pinches compartido en el blog. Por eso usaré sólo mediafire y tal vez Mega o Rapidshare. Si algún link está roto y caduco favor de avisar en un comentario y lo reemplazaré en cuanto sea posible.

The Organ - Grab that gun

The organ es una banda formada en Vancouver, Canadá en 2001. Se integra por Katie Sketch, Deb Cohen, Jenny Smith, Shelby Stocks y Ashley Webber. Su género puede ser algo fácil de distinguir, sin embargo su sonido es muy ochentero, del post-punk mas puro y no un post-punk revival como el de Interpol o She Wants Revenge. Además tienen un Hammond x123 que es muy característico en el sonido envolvente de la banda que suena de forma precisa y correcta en sus canciones. Se les compara bastante con The Smiths, así como por la lírica de las canciones y también por el timbre de voz de Katie Sketch que recuerda al de Morrissey. Incluso se dice que tienen una canción, de título “Steven Smith“ que se dice es un tributo al cantante ahora solista.

El disco fue un éxito en Canadá. Siendo mostrado en la radio canadiense con un recibimiento bastante amplio. Así pues, The Organ comenzó a viajar a través de Canadá, Estados Unidos y Europa para promocionar el disco. De este disco se desprende el sencillo Brother, del cual hay un video y también apareció en un capítulo de la serie The L World. Apareciendo, evidentemente, en el soundtrack de la serie. 

Sin embargo, a pesar de la creciente popularidad prometedora de la banda, además de su maravillosa producción creativa, no han lanzado otro disco de larga duración como este. Siendo su mejor obra y totalmente recomendable.

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Emilie Autumn - Enchant

Emilie Autumn - Enchant

El primer disco de la cantante Emilie Autumn. El disco se podía bajar de forma gratuita en la página oficial de la cantante. Tiene dos ediciones, una originalmente editado el 23 de febrero del 2006 por Traitor Records, edición donde venía un rompecabezas y el primero que reportara que había logrado realizarlo se ganaría unas "Faerie queene's wings". La segunda edición lanzada en Agosto del 2003 por Trisol music group. 

El disco cuenta con sonidos y ritmos diversos. Desde ritmos de balada, de canciones pop algo noventeras, incluso dark cabaret, pero lo sobresaliente es el sonido predominante de música barroca y céltica. Se puede apreciar el uso de piano, violines, otras cuerdas sinfónicas, pero también de sintetizadores que le dan un término delante de los críticos como industrial. Muchas veces llamado el género que maneja Emilie como Victorianindustrial.

El disco está lleno de emotividad, cargado también de cierta oscuridad que la voz de Emilie permite hacer del disco un producto creativo incisivo en la sensibilidad del receptor. Es sin duda una talentosa mujer que puede llevar a cabo una explosión de innumerables sentimientos. El disco lo maneja con un cambio de ritmo y de intensidad, así como dirección emocional, distintas. Por ejemplo, pasar de una vivaz música donde predomina un piano bastante movido en “Second Hand Faith“, con una letra donde expresa el deseo de apoyo y cariño, para a una balada céltica con toques industriales por sus efectos electrónicos donde el violín predomina dulcemente con “Juliet“, cuya hermosa letra hace alusión al personaje Julieta Capuleto de la obra “Romeo y julieta“ de William Shakeaspeare. El cierre del disco es igualmente impresionante con “Rose Red“, el escucha quedará impactado. Sin embargo es un efecto constante considerando la apertura del disco con “Across the sky“ cuyo enérgico desarrollo hace a Enchanted un prometedor producto artístico y creativo para quienes apenas comienzan a escuchar a tan maravillosa intérprete. 

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Airiel - The Battle of Sealand

Airiel es una banda de EP's. Con seis en su carrera, cuatro son seriados e incluso las portadas de tales EP's juntas se forman un sillón azul y un teléfono. Es realmente una banda muy interesante con una propuesta musical poco ortodoxa pero cuyo sonido es magnífico y sólo han lanzado un disco, el cual presento en esta entrada (La segunda del día, que productivo el nene).

The Battle of Principality es el primer y único álbum en el haber de Airiel. Un disco precioso que merece la pena la atención de cualquiera con un buen gusto por el sonido alternativo del shoegaze. El disco es nombrado así por Principality of Sealand. Una localidad no reconocida como entidad independiente y estado soberano. Localidad ocupada en 1967 por Paddy Roy Bates y familiares, proclamando que la tierra era un estado libre y soberano. Localizado en HM Fort Roughs en en Suffolk, Inglaterra. Se le llega a considerar la nación mas pequeña del mundo, lo cierto es que no es reconocido como nación. 

Se dice que los integrantes de la banda fueron considerados Lords al ponerle a su disco como la micronación y además serían la primera banda de rock en hacer un concierto en ella, sin embargo el evento no se ha llevado a acabo desde entonces.

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Depeche Mode - Delta Machine

Después de hacer la entrada de My Chemical Romance escuchaba el nuevo disco de Depeche Mode, Delta Machine. Debo decir que es un disco enteramente bueno, de principio a fin. Algo que se nota desde el disco anterior “Sounds of the universe“ es que esta banda tiene un nuevo modo de hacer música y de lanzarlo de forma satisfactoria. El disco anterior, ya mencionado, fue un muy buen disco que conservaba al Depeche Mode conocido, pero la sobriedad y madurez del disco fue impresionante. Con Delta Machine esto siguió latente.

Delta Machine diría que es un disco lleno de baladas electrónicas. Se escucha a Depeche Mode pero como si fuera una nueva era para ellos. Incluso la guitarra de Martin Gore suena distinta, las secuencias electrónicas menos bailables pero con un ritmo y melodías que son claros ejemplos de lo que hace la banda, pero en ritmicidades sencillas y tranquilas. Sin embargo esa oscuridad sónica que caracteriza a la banda sigue ahí, sigue en sus letras, sigue en las voces de Gahan y Gore.

Para muestra fácil que explica mi punto está el mismo primer sencillo del álbum, “Heaven“. Pero escuchando detenidamente el disco, eso se presenta desde el comienzo con “A long time lie“, pasando por una canción parecida a una canción de cuna, con una letra bastante perturbadora, “The child inside“. Terminando con una canción magistral que recuerda a la época de Exciter. Con una guitarra centelleante y además una letra tan directa, tan llena de recelo y energía apreciada con la voz de Dave Gahan y el disco entonces se prende antes de acabar esa última canción.

Siendo el decimotercer disco de la banda se podría decir que los años de ser Depeche Mode les ha llegado a pesar, en especial a Dave con sus problemas de depresión, abuso de drogas e intentos de suicidio. Sin embargo me parece que el disco lleva a Gahan ser mejor. Es el disco con mas aportaciones del vocalista, se ha inmiscuido mas en la composición de las canciones del disco, componiendo algunas él mismo.

El disco ha sido lanzado en cuatro diferentes ediciones y yo aquí les dejaré la versión Deluxe, que trae los 13 temas del disco mas otros cuatro. Fue un álbum producido por Ben Hillier y es la colaboración número tres con Depeche Mode. El disco ha sido un éxito y la banda mantiene su curso y su lugar de culto entre cualquier sector cultural, sin importar edades o condición social. Es una banda que figura una real brillantez para hacer la música que de ellos emana y para contagiar al público con la magnificencia de sus interpretaciones.

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My Chemical Romance

Bueno, este día, retomando este espacio de opinión, quisiera tomar como tema a una banda que ha sido muy importante para mi. My Chemical Romance anunció la ruptura de la banda a poco tiempo del supuesto lanzamiento de lo que hubiera sido el mas nuevo de sus álbumes de estudio. Después de muchas teorías al respecto tal parece que todo es por la disquera. Pues estos señores tienen los derechos sobre el nombre de la banda así como del producto artístico y creativo que producen. 

Esta será una entrada bastante sencilla. Algo breve pero significativo para su humilde redactor. Así me pondré en forma con eso de escribir para las personas antes que para mi. Pronto haré otras entradas distintas. De opinión, crónicas o literarias.

Por ahora acá abajo les dejaré los álbumes de estudio de My Chemical Romance, así como algunas rarezas y lados B. Es la primera vez que publico algo con contenido descargable. Usaré el Mediafire para que puedan fiarse de que el archivo está chevere. 

I brought you my bullets, you brought me your love (Bullets) - 23 de julio del 2002

Album debut de la banda. Producido por Geoff Rickly (Thursday). Un trabajo conceptual, igual que todo el trabajo siguiente de la banda. Cuenta con la historia de dos asesinos en serie que terminan por morir en el desierto tras una oleada sangrienta de asesinatos (Demolition Lovers). Los siguientes par de años subsecuentes a la publicación del disco empezaron una gira de promoción, generalmente con presentaciones ante audiencias pequeñas. Después fueron de gira a Reino Unido con The Used, donde conocen a su futuro agente Brian Schechter y al siguiente baterista de la banda Bob Bryar.

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Three cheers for sweet revenge - 8 de junio del 2004

Segundo álbum de estudio de la banda. Primer disco bajo el sello de Reprise récords. La temática del disco se basa prácticamente en un hombre que vuelve de la muerte para buscar a su amada y tomar revancha de aquellos que, él considera, lo excluyeron en vida por ser distinto. Su promoción por parte de la banda fue mucho mas amplia, presentándose en festivales, medios de comunicación y haciendo su primera gira mundial.

Se desprenden cuatro sencillos de esta maravillosa obra. Thank you for the Venom, I'm not okay (I promise), Helena y The Ghost of you. El disco vendió mas de un millón de copias el primer día de lanzamiento en Estados Unidos además de ser considerado disco platino en Reino Unido, Chile, Argentina e Irelanda y como doble platino en Canadá. La crítica recibió este álbum con muy buenos ojos y la aceptación fue prácticamente general e inmediata.

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The Black Parade - 23 de octubre del 2006

El tercer disco de estudio de los muchachos químico románticos. En este álbum la producción estuvo a cargo de Rob Cavallo, productor preferente en gran parte del trabajo de Green Day. Bob Bryar es el baterista oficial en el disco a pesar de que ya estuvo tocando en el la gira promocional del disco anterior y además cuentan con la voz de Liza Minnelli en la canción Mama (una de mis favoritas del grupo). Esta vez el concepto se basa específicamente en un personaje enfermo de cáncer y moribundo que se acerca a la muerte y vive sus últimos momentos de vida y sus primeros momentos de muerte a través de la música del disco. En las canciones se narran sucesos de su vida, reflexiones y visiones, así como el siguiente paso al que se somete que es la muerte inevitable.

De aquí se desprenden cuatro canciones maravillosas como sencillos. Welcome to the Black Parade, Last famous words, I don`t love you y al último, magistralmente, Teenagers. 

El disco fue un rotundo éxito, siendo la presentación del mismo en unos premios de MTV donde una de las atracciones principales fue la presentación del nuevo sencillo de My Chemical Romance. Además ha sido galardonado con disco de oro, platino y multiplatino en varias naciones y la crítica tomo con gran agrado el disco, aunque resultó un poco comercial para varios admiradores.

Tal vez ha sido una de las producciones mas complicadas de la banda, primero componiendo unas canciones que le presentarían a Cavallo y después componiendo el resto del disco en the Paramour, una mansión abandonada ubicada en Silver Lake. Momento durante el cual la banda sufrió una parálisis creativa puesto que uno de los integrantes entró en una profunda depresión. 

El concepto entonces fue evolucionando y así, Gerard Way, empezó a concebir la idea de “El Paciente“ recibiendo su muerte en forma del recuerdo mas poderoso en vida, en el caso particular del personaje conceptual del álbum, un desfile que ve de niño. 

Hay mucho análisis con respecto a este disco, mucho mas que en otros trabajos de la banda. Hubo críticos del rock que llegaban a concebir a The Black Parade como una opera rock a nivel de A night in the opera de Queen o The Wall de Pink Floyd.

La gira también fue una perpetuación de las problemáticas del disco entero, pues aunque la gira contó con mayor audiencia, mayor recibimiento del público y también, aceptación de crítica y canales de música, Mikey Way y Frank Iero salieron del tour por cuestiones de salud. El equipo entero tuvo una intoxicación alimentaria y cosas por el estilo. A fin de cuentas la gira terminó en la Ciudad de México (concierto al cual asistió su redactor) y fue memorable (aunque preferí su presentación en el Coca Cola Zero Fest del año siguiente). 

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Danger days: the true lives of the Fabulous Killjoys - 19 de noviembre del 2010

Este es el cuarto álbum de estudio de la banda, disco que marca una diferencia muy grande de estilo. También fue producido por Rob Cavallo. La temática de esta nueva producción se sitúa en una California postapocalíptica en el año 2019. Los Killjoys, representados por Gerard, Mikey, Frank y Ray, combaten a una malvada corporación que mantiene el control de la sociedad. Se podría decir que es un trabajo conceptual, a pesar de que la banda a declarado que no es así. 

Ha sido, sin duda, un disco completamente distinto a los otros 3. Las influencias de cine, cómics y el arte pop es evidente. La misma banda declaró que tenían influencias de bandas como Pulp, Stooges, Teenage Fanclub e incluso del disco Diamond Dogs de David Bowie. Pero en cuanto al cine es evidente la directa influencia de Blade Runner. Pues se sitúa en el mismo año y lugar que la película. También hablan de la influencia de Mad Max, The Warriors, Clockwork Orange y Vanishing Point así como del manga Akira.

De sus catorce canciones se desprenden cinco como sencillos, Na na na (na na na na na na na na na), SING, Planetary (GO!), The only hope for me is you y The kids from yesterday. Y comienzan su promoción con The World Contamination Tour que abarcó presentaciones en Estados Unicos, Europa y Asia, preferentemente. 

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Conventional weapons - del 30 de octubre del 2012 al 5 de febrero del 2013

Este es un disco recopilatorio de algunas canciones que quedaron fuera del anterior disco y los fueron lanzando en discos de vinilo de siete pulgadas que contenían 2 canciones cada uno. En resumen son 5 discos cuyas portadas tienen armas y son nombradas por su orden cronológico de lanzamiento (number one, number two, etc.). La crítica recibió estas nuevas canciones bastante bien y fue lo último que lanzó la banda antes de su separación. 

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Live and rare

El disco si tiene fecha de lanzamiento y todo, pero no podré el disco entero. Además de que podré canciones que son de otros EP. Así mismo agregué el cover a Queen y David Bowie “Under Pressure“ interpretado por MCR y The used, también agregué Desolation Row que fue parte del Soundtrack de Watchmen y otros tantos. 

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The Mad Gear and Missile Kid - 22 de noviembre del 2010

Es un EP que fue lanzado como edición especial y continuación del disco Danger Days. Frank Iero declaró que era lo que los Killjoys escuchaban mientras se encontraban entre los tiroteos y se dice que pudo haber sido el siguiente proyecto de la banda. 

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My Chemical Romance se formó en New Jersey y contó en la mayoría del su trayectoria con Gerard Way (vocalista), Mickey Way (bajo), Ray Toro (guitarra) y Frank Iero (guitarra). El 22 de marzo del 2013 la banda anuncia su separación, al parecer con problemas con la disquera, así desmintiendo que fueran problemas dentro de la misma banda.

A pesar del revuelo que han causado tanto por sus letras y por el contexto social en el que les tocó desempeñarse, no se puede dejar de lado que son una de las mas grandes bandas del nuevo siglo. Y su ruptura es sin duda una pérdida para el mundo de la música. 

Estaba indeciso con respecto a qué publicar en esta entrada, si la despedida de la página oficial o una que dejó Gerard Way, así que prefiero dejar por aquí la que Gerard Way publicó (es mas emocionante y sentimental, lo juro).

My Chemical Romance: 2001-2013

Fuimos espectaculares.
En cada concierto lo supe, en cada concierto lo sentí con o sin la confirmación externa [...]. Es esta convicción la que nos hizo ser quienes fuimos, pero también muchas otras cosas, todas ellas vitales. Y todas las cosas que nos hicieron geniales eran las mismísimas cosas que iban a ponernos fin:

Ficción. Fricción. Creación. Destrucción. Oposición. Agresión. Ambición. Corazón. Odio. Coraje. Rencor. Belleza. Desesperación. AMOR. Miedo. Glamour. Debilidad. Esperanza.

Fatalismo [...].

Como soy malo con las despedidas, rehúso que esta sea una. Pero los dejaré con una última cosa:

My Chemical Romance se terminó. Pero nunca podrá morir. Está vivo en mí, en mis compañeros, y está vivo en todos ustedes. Siempre lo supe, y creo que ustedes también.

Porque no es una banda: es una idea.

Con amor,

Gerard Way

Después de todo Gerard Way hizo de My Chemical Romance toda una idea que marcaba el rompimiento de paradigmas y que era un alza en el modo de hacer música. Y aquí en México la banda ha dejado a miles de fans con ganas de mas de ellos, con deseos de haberlos visto antes de su repentino despido. Pero, así como Gerard Way dijo, MCR no podrá morir y este es mi pequeño tributo honorario a cada uno de ellos, a cada letra escrita y, por supuesto, a cada momento que viví con su música, cada detalle que encontré en disfrutarla. Gracias.

Dedicado a mi querida Shes.

¡Vuelvo a las andadas, nenes!

Esta cosa está mas abandonada que las pantis de su abuelita en silla de ruedas. Por lo tanto volveré mas ácido y soez que antes. Remasterizado, maduro y mas bueno. Empezaré con quejas, con alguna publicación musical y bueno. Aprovecharé que ando niniando (dígase de la acción de ser nini) para poner en orden este blog abandonado. Los odio!